Review: The Walking Dead, Cuarta Temporada

En las ruinas de una civilización antigua

The Walking Dead tuvo una cuarta temporada tan larga que, en 16 capítulos, logró meter dos historias, dos tramas distintas pero que únicamente uniéndolas cobran un sentido global. Hay un antes y un después en la vida de cada uno de los personajes. Y un lúgubre mensaje: el mundo que una vez conocieron está hecho ruinas. Los modelos de cortesía social, la moralidad y la ética son formas de hipocresía enmascarada que poco y nada sirven a la hora de sobrevivir.

 La primer temporada de ésta serie (estrenada en 2010) fue una especie de tanteo en la oscuridad. Por un lado proponían un apocalipsis zombie con anclaje en el mundo del cómic que podía satisfacer a una legión de fans alistadas detrás de su autor, Robert Kirkman. Pero, no obstante, la historia no se quedaba dándole de comer al morbo y la superficialidad cuasi "gamer", sino que presentaba el fin de estructuras sociopolíticas y económicas, la pérdida de roles, profesiones... en fin, la modernidad como la conocíamos y un retorno al primitivismo con armas mediando conflictos.  El desafío que se le presentó a Rick y a su grupo no fueron tanto los lentos walkers, sino reconocerse en nuevas identidades a partir de una tragedia desatada (que todavía es un misterio). Desde hace 5 años se ha desandado mucho en el camino de los protagonistas de The Walking Dead: muchas incorporaciones, e iguales pérdidas, nuevas afirmaciones de personajes que creíamos débiles y dolorosas despedidas. Todo lo que acabó resumiéndose en un pequeño grupo que sobrevive por altruismo. Precisamente, la cuarta temporada de The Walking Dead se apoya sobre la necesidad de reforzar dependencias del grupo y declarar abiertamente que no pueden vivir separados ni confiar en extraños. Sólo ellos mismos. No hay lugar para nadie más salvo ese pequeño grupo porque la civilización global es cosa del pasado. 

The Mentalist, Temporada 6: Distinta paleta, misma monocromía

No soy yo, sos vos

¡Muy buen día mis queridos lectores! Aquí me tienen, entre la lluvia y un par de fastuosas clases que tuve que desayunarme temprano en la mañana. Para éste fin de semana surgió una consigna apropósito de haber retomado la sexta temporada de The Mentalist, serie creada por Bruno Heller y encabezada por el galanazo de Simon Baker y la fantástica Robin Tuney. Pero detengamos los elogios acá porque la consigna para ésta entrada es pensar en series que ya deberían haber terminado años atrás y que por algún motivo (llámese audiencia, arte de magia o la sonrisa encantadora de su protagonista), no dan ni un indicio de concluirse. Piensen en series que les hagan preguntarse cómo es esto posible, en qué parte de la capacidad humana cabe el lugar para que éstos bodrios, atentados al contrato televisivo y asesinos seriales de tramas se eternicen en el aire luego de tantos años de pavorosa decadencia. Y lo que es peor... que nosotros sepamos lo espantosas que son porque todavía las vemos para atestiguar con mucha incredulidad el momento en el que decidan mejorar. Fue de ésta manera cómo retomé a The Mentalist del polvo y abandono para, finalmente, concluir que definitivamente es una serie que no vive por la fortaleza de su trama, sino que sobrevive sólo y a pesar del carisma del dúo Baker-Tuney. Porque el resto... el resto, es una larga (larguísima), intrascendente y superflua historia que ya no da para más.

True Detective S01: Manual de Louisiana Ilustrado

La primer temporada de True Detective concluyó el domingo pasado, atando algunos cabos y desatando otros más que, a lo mejor, jamás pretendieron explicarse. Desde que empezó la serie me la pasé guardando screencaps de intro y bajando las canciones del soundtrack pero... ¿escribir algo posta? ¿debería? ¿alguien está capacitado para bloggear con impunidad sobre una serie tan compleja, cargada de una iconografía particular y de referencias literarias a autores tan complicados como Lovecraft? No. Ni a palos. Pero en tal caso, habría que hacer un estudio académico de la serie que ni yo ni nadie ha pensado hacer (por ahora); entonces, déjenme unirme a la horda de descarados que se animaron a comentar True Detective desde una percepción un poquito más elaborada.

August: Osage County (2013, John Wells)

La miseria ama a la familia

Claro que escribir acerca de Agosto tiene que ver con el día de la mujer. Indudablemente, es una historia de mujeres fuertes (y miserables) que no pueden escapar de esa "cárcel" familiar de la que son dependientes. El seno de la familia Weston lo encabeza una matriarca despótica, con cáncer de lengua y adicta a los sedantes que la calman. De su matrimonio con un poeta, nacieron tres hijas que, ahora mayores, intentan mantenerse lo más alejada de aquel autoritarismo maternal que marcó sus vidas a fuego lento. Agosto se trata del reencuentro de esas tres mujeres con su madre en la natal casa de Oklahoma; de cuatro mujeres diferentes entre sí, difuncionales en una misma habitación pero que -no obstante- tienen una enorme autodeterminación y no vacilan en hacer escuchar sus voces.

Nebraska (2013, Alexander Payne - nominada al Oscar)

Un descanso en el camino 

Muchos viajes se emprenden buscándole un propósito a la vida. A lo mejor, allá a lo lejos está eso que buscamos, que necesitamos pero que secretamente somos conscientes de que en ésta situación no podemos tenerlo. Woody Grant tiene una carta spam que imprimió desde su e-mail y que dice que él es el ganador de 1 millón de dólares. Quiere viajar a Lincoln, Nebraska, para reclamar ese dinero. Ni su esposa Kate ni sus dos hijos Ross (Bob Odenkirk) y David (Will Forte) creen que Woody va a cobrar parte de esa fortuna y lo que más los desespera es cómo se comporta el viejon ceñil y arruinado por su alcoholismo. Sin embargo, David, el hijo menor,  se apiada de él y decide acompañarlo hacia Nebraska, esperando que sólo así Woody entienda la estafa en que cayó, pero también, lograr entender porqué quiere su padre ese dinero al borde de su vida. 

Oldboy (2013 - Spike Lee)

¡¡¡Wiii, se viene la del martillo!!! ... Pero..., ¿porqué no sentí nada? 

Y bueno, nada

Oldboy es una de mis películas favoritas y definitivamente Chan Wook-Park se encuentra en mi top 10 de realizadores preferidos. Aclaradas ambas cuestiones, tengo que añadir que jamás me molestaron las remakes sobre ciertas películas que amo y más aún no tengo derecho a molestarme si esa película se apoyó previamente en un cómic (como es éste caso). Cada director y guionista está en todo su derecho de reinterpretar textos, situaciones, contextos; sería absurdo criticar negativamente la libertad de realizar una película. Por eso, cuando Spike Lee anunció que adaptaría el cómic de Oldboy lo tomé con euforia, porque nada me genera más alegría que ésta enorme historia sea conocida por más y nuevas generaciones (seamos sinceros, es muy poco frecuente que las espectadores dediquen algún espacio al fabuloso cine surcoreano). Pero no es casual de que luego de tanto ruido haya habido tan pocas nueces y el estreno de Oldboy haya pasado tan desapercibido entre el públcio. Y lamentablemente, es totalmente justificable. Spike Lee nos hizo contar años y días en vano, dejándo muy en evidencia que poco y nada puede hacerse frente a una película de culto. Veamos porqué.

Captain Phillips (2013, Paul Greengrass - nominada al Oscar)

Cambia... ¿todo cambia? 

La primer secuencia de Captain Phillips es un diálogo que él mantiene con su esposa respecto al rumbo hacia el que camina el mundo contemporáneo. Nuestro hombre en cuestión se preocupa porque sus hijos no se comprometen ni sacrifican nada para construir un buen porvenir a largo plazo. El mundo está cambiando de a sacudidas, en formas violentas y hostiles. ¿Debería de preocuparle? Phillips intenta tranquilizarse respecto a los jóvenes pero, por otro lado, siente que ya no puede mantener la paz interior que solía tener en sus días pasados cada vez que se embarca hacia los océanos para cumplir con su trabajo. Ese mal presentimiento que lo perturbaba se vuelve realidad cuando una banda de inexpertos "piratas" somalíes asalta su barco carguero, dando inicio al mayor calvario que a un Capitán del siglo XXI le tocaría vivir.

Si bien Paul Greengrass se encarga de realizar otra biopic oscarizable y con pulso de thriller, es en realidad el Bingelow de la entrega porque en su película predomina la lógica gringa sobre un hecho que se presenta con aparente objetividad pero que podría haberse analizado de manera más profunda.

Gravity (2013, Alfonso Cuarón - especial Oscars)

La introspectiva odisea al espacio

ATENCIÓN: LA SIGUIENTE NOTA ESTÁ MUY MAL REDACTADA. ÉPOCA DE EXÁMENES. QUEDAN ADVERTIDOS. 

Ser parte de la historia significa tener una muy grande que contar. Una buena historia vendría hacer del tipo que tenga algún evento excepcional  y que, además, deje una moraleja picando sobre el final. Por eso, dicen los sabelotodos, que la única manera de hacer historia es saliéndose de la famosa "zona de confort" (de la que tantos guionistas han estado hablando últimamente). Los primeros minutos de Gravedad nos muestran a la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) en su primera misión como astronauta. Que sea novata, no significa que Ryan sea joven; por el contrario, está entrada en sus cuarenta y aún así tomó la decisión de subir al espacio para iniciar una investigación (honestamente, no presté atención sobre qué). El teniente Matt Kowalksy (Clooney) ha colocado su ojo de veterano sobre ella y el resto de la tripulación, lo que no le impide mostrarse distendido, mientras le cuenta a la doctora y a los demás, una serie de relatos anecdóticos que le ocurrieron durante sus años como teniente.

En ese momento, sucede algo probable pero aún así, intempestivo: desde la base, Houston les comenta que los rusos se deshicieron de un satélite haciéndolo estallar en el espacio. El saldo es desfavorable para el grupo norteamericano ya que los restos del satélite viajan velozmente hacia ellos e impactan con violencia contra la tripulación, dejando a Kowalsky y Stone a la deriva, en la inconmensurable inmensidad del espacio. En el vacío y soledad más completa que jamás podría existir y entre una distancia que -indudablemente- existe entre los dos.

Her (2013, Spike Jonze - especial Oscars)

 "A veces pienso que ya sentí todo lo que iba a sentir.
Y que de ahora en más, no voy a sentir nada nuevo.  Solo versiones menores de lo que ya he sentido." 

Ella, es la voz más bella

Ya no sabe a dónde llegar, por eso camina. De la casa al trabajo y del trabajo a la casa. Sale de la oficina, entra al ascensor, camina hasta el tren, lo toma, sube a otro ascensor y llega a un departamento. Nadie le habló en el trayecto y no hay nadie a donde quiera que vaya. Sólo está el mismo telón de fondo, esa voz automática y desalmada que, desde su celular, le anuncia la basura que le llega al correo. Después nadie. El mundo para Theodore es tan vacío y automático como aquella voz en serie. Y dudosamente se pueda contradecirle aquella visión de su realidad, si tenemos en cuenta que su esposa se divorció de él y su trabajo es escribir cartas de amor para otras personas que dicen estar enamoradas pero no tienen palabras para expresarlo.

Theodore transita en una existencia solitaria donde los seres humanos que le rodean ya han pasado a un segundo plano puesto que le han dejado una desilusión tras otra. Las redes sofisticadas ni siquiera le permiten conectarse con otras personas con las que se vincula mediante salas de chats, pretendiendo tener sexo verbal. El contacto, la corporalidad o materia de una relación se han perdido en el mundo de Spike Jonze y, sorpresivamente, no parecieran tener importancia. Por eso, no es de llamar la atención que cuando Theodore cambia la voz automática de su teléfono por un nuevo sistema operativo con la capacidad de tener una conciencia, se termine enamorando de esa voz que dice llamarse Samantha.

Top Of The Lake: mapa de un feminismo claustrofóbico

Top of the Lake | Miniserie (7 capítulos) | 2013 - Australia-Reino Unido  

Dirección: Jane Campion, Garth Davis 

Guión: Jane Campion & Gerard Lee

Cast: Elisabeth Moss, David Wehnam, Peter Mullan, Tomas M. Wright, Holly Hunter, 

ATENCIÓN: Se revelan algunos detalles de la historia

No exagero si expreso que es necesario (re)afilar la perspectiva de mujer para comprender los relatos que Jane Campion ha llevado a la pantalla. En The Piano (1993), relucía el hecho de que Ada, una mujer del siglo XIX que a pesar de ser muda y sometida a un matrimonio arreglado, logró comunicarse a través de su cuerpo, decidir y experimentar la sexualidad sin tabús ni convenciones opresivas del género para aquella época. Los personajes de Campion están más o menos trazados bajo el mismo esquema: se trata de mujeres en apariencia frágil pero de una tenacidad y autonomía inmensurables.

Son contadas las veces en que vale colocarse desde el propio género. De otra manera, sería prácticamente imposible 'legitimar' ciertas actitudes o pensamientos de un personaje. En consecuencia, una mujer sí puede entender a la muda Ada sólo por reconocerse en el rostro de ella de la misma manera que hombres únicamente son capaces de entender a Charlie o Alan Harper de Two and a Half Man. Por eso Top of The Lake (2013) no tiene necesidad de ser sometida a un análisis desde su aspecto "thriller estilo twin peaks" porque sí así lo hiciéramos, estaríamos cometiendo un gran error al juzgar el costado más débil y menos explotado por su autora. El su relato, Jane Campion  realiza una radiografía completa de la mujer dentro de un pequeño pueblo neozelandés.

Dragon Ball Z, La Batalla de los Dioses

 "Over nine thousand" de cal y una de arena

Desde que hace un par de años atrás Dragon Ball Z se remasterizó en Dragon Ball Kai y los capítulos rellenos suprimidos, era evidente que luego de 20 años los clásicos llevan ese adjetivo porque los define: inagotables, religiosas, reciclables y -en consecuencia- siempre redituables. Después de 2 décadas, tanto Dragon Ball como Sailor Moon confirmaron que regresarían aunque en maneras diferentes. El éxito mundial de las dos series y la millonaria recaudación que hicieron a lo largo y a lo ancho del globo les trajo a sus creadores problemas en contrapartida. El ánimo de lucro de los estudios de animación derivaron en la creación de la detestable Dragon Ball GT y, tiempo más tarde, un live action yankee con grandes sumas de dinero invertido y fracasos cosechados que generaron gran malestar en Toriyama. No fue muy distinto para Naoko Takeuchi, la creadora de las marineras de la luna. Tiempo después, la tímida dibujante manifestó su descontento con la censura y el abuso de los estudios que llevaron a la tv las aventuras de las scouts. Ella se volcó a un live action que causó más risas que recibimientos serios y los proyectos de reciclar clásicos se truncaron en ambos casos. 

Sin embargo, los aniversarios de clásicos legendarios que han creado fanatismos religiosos son eventos favorables para retornar a contar historias de personajes arraigados en las emociones infantiles que todos (T-O-D-O-S) llevamos dentro y, en el caso de sus creadores, de seguir actualizando sus cuentas bancarias. Por eso, Sailor Moon retorna en julio de la mano de nuevos productores y nuevo estudio de animación que se comprometió a representar el manga tal como es (uncensored). La misma fortuna corrió para el regreso de Dragon Ball Z con La Batalla de los Dioses, una película con la que Akira Toriyama burla a los animadores de la serie en el pasado, pero también a sus legiones de fanáticos.

La película de la semana: Tokyo Family (Yôji Yamada)

Uno de los recuerdos que tengo cuando me fui a estudiar es una llamada telefónica de mi mamá. Fue diferente porque jamás me llama. Es una mujer ahorradora, demasiado para mi gusto. El motivo de la llamada había sido la delgadez y el repentino cambio de humor que observó en la última vez que nos habíamos visto. Desde mi traslado a la ciudad no eran muchas las veces que nos veíamos y cada vez que me abrazada luego de un largo tiempo, me decía que estaba flaca. Lo mismo mi abuela. "¿Comes bien?" repiten hasta el cansancio. Cuando los padres llevan largo tiempo sin ver ni vigilar sobre sus hijos, reconocen que están perdiendo parte de nosotros. Comenzamos a hacer o decir cosas que ya no reconocen. Sufren nuestras mutaciones. Cuando nos ven luego de un largo tiempo, ven lo inevitable, el perdernos y ya no legislar sobre nuestras vidas. Ven el cambio "insalvable" de sus hijos.

Tokyo Family cuenta el viaje de Shukichi y Tomiko desde una pequeña isla hacia la gran Tokyo. La pareja de septuagenarios viaja una semana para que Shukichi le de las condolencias a la familia de un viejo amigo que acaba de fallecer. Ese es el motivo superficial, porque en realidad, lo que anhelan hacer es reencontrarse con sus hijos ya crecidos: Koichi, el varón mayor y médico de la familia;  Shigeko la única hija mujer y Shuji, el hijo mejor de la familia. El encuentro de los padres con sus hijos produce en ellos un sabor agridulce. Por un lado está su alegría por encontrarse con sus hijos, pero por el otro, está la tristeza y el desconcierto ya que cada uno se ha acoplado al ritmo frenético de la gran ciudad y, a pesar de las diferentes elecciones de vida que mantienen, sus hijos no han guardado un espacio para ellos.

Dallas Buyers Club (2013, Jean-Marc Vallée · especial Oscars)

El rodeo de la vida

Desde el principio, Dallas Buyers Club ha sido problemática. Fue escasamente financiada y durante un buen tiempo el rodaje estuvo detenido debido a la imposibilidad de afrontar costos para su continuidad. No obstante la película pudo terminarse y, ahora, el nuevo problema que enfrentarán los creadores de la película es su nominación al Oscar y el título que decidan ponerle los distribuidores a la película en Latinoamérica.

No estamos en presencia de una película ganadora, sino frente a una pequeña historia sobre el sida, la discriminación y las redenciones de un hombre que tiene que alterar su manera de vivir si quiere seguir adelante. Dallas Buyers Club es una cinta que únicamente será reconocida y recordada por su mensaje y, en mayor medida, por el compromiso actoral de Matthew McConaughey y Jared Letto.

Escándalo Americano (David O'Russel ·especial Oscars)

Mentime que no me gusta

La primera escena de Escándalo Americano nos muestra a Iriving Rosenfeld (Christian Bale) colocándose metódicamente un peluquín para cubrir su calvicie asimétrica. En la habitación siguiente de un hotel se encuentra con Richie Dimaso y Sydney Prosser. Irving discute con Richie y a raíz de esa pelea, Richie le desarma el peluquín a su compañero estafador. Sydney se enoja con Richie y rápidamente se acerca a Iriving y le acaricia el cabello, intentándo colocarlo todo en su debido lugar. Sydney no espera que Irving se acomode el cabello solo. Ella lo hace por él, sabe que odia que lo desarmen. Sabe que detesta que tiren abajo su fachada.

12 años de Esclavitud (Steve McQueen · especial Oscars)

Un latigazo a la humanidad

Cuando somos libres desde el inicio de nuestras vidas no podemos pensarnos de otra manera. Ya está naturalizado el andar diariamente en libertad. Es imposible que no me levante un sábado a las doce de la mañana, ni que deje de ir al cine cuando estrena una película que me gusta o que deje de sacar fotos y escribir. La libertad nos da espacio para construirnos como quienes queremos y crecer en aquello que queremos ser día tras día. Solomon Northup  fue libre desde que nació y luego esa libertad le fue arrancada cruelmente, por un error y sin mediar la palabra. Suele decirse -y con mucha verdad- que cuando una persona pierde su libertad, su derecho de circular sin ser controlado, aprisionado o vulnerado es cuando se comienza a apreciar esa maravillosa universalidad del ser humano. 

12 años de Esclavitud es rotundamente desgarradora por tan sólo un motivo: todo lo que le pasó a Solomon Northup fue real. Perdió la libertad y se convirtió en un esclavo de un día para el otro. Él, la humanidad y el mundo que conocía involucionaron. Su historia retrocedió y durante 12 años, la vida dejó de avanzar.

Escándalo: Nominaciones a los Oscars Veinte-Catorce

Si el título con alto contenido en grasas trans no los atrajo es porque sólamente les interesa hablar de cine. Bien. Muy bien. Y sino, no hay tal escándalo, salvo por el que filmó O'Russel. Por el contrario, año a año la academia nos sigue sorprendiendo con lo retrógrados que son. Por mi parte, vine a barrer telas de arañas y a desempolvar este blog del olvido y, de paso, les coento que a partir de ahora en adelante, me propongo a realizar un pseudo-análisis de las películas que han sido nominada a los Oscars por su guión, por su director, actores o simplemente porque son las mejores películas "del año" para la academia de la industria cinematográfica norteamericana (ergo, podemos discernir abiertamente de lo que es bueno para ellos). Todas las películas nominadas, sus actores, directores... en fin, cualquier cosa va a pasar por éste blog. Incluso me propuse elegir cuál es mi animada favorita y mi extranjera para el Oscar (aunque me niego rotundamente a ver una película palestina y otra camboyana). 

Desde un excéntrico trabajador de las finanzas hasta una mujer flotando en el espacio, pasando por un pobre tipo asaltado por unos negros hasta otro pobre tipo asaltado por su familia, doblando por otro pobre tipo que peca de antisocial y se enamora de una computadora, llegando hasta otro pobre tipo que es esclavizado por error y otro pobre tipo anoréxico que ayuda a otros pobres tipos terminando en otro pobre tipo que le hacen la cama. Todo, todos los pobres tipos menos Leo Dicaprio van a estar acá, en Cinevasiones. Ustedes elijan sus favoritos y yo veo con qué desdichado me quedo.